Ein spritziges, chaotisches Ganzes

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Theaterkritik

Florentina Holzingers beeindruckendes, verwirrendes und nervenaufreibendes neues Stück „Ophelia's Got Talent“ eröffnete die Saison an der Volksbühne in Berlin.

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Von AJ Goldmann

BERLIN – Eine Gruppe nackter Frauen humpelt mit einem Hubschrauber, der über einem Schwimmbecken auf der Bühne hängt; eine tätowierte Schwertschluckerin führt ihr Klingen in den Hals – und einen Schlauch mit einer Kamera, die uns einen Rundgang durch ihre Eingeweide ermöglicht; jemand anderes steckt ihre Hand tief in die Vagina einer anderen Frau und holt einen Schlüssel heraus; Der Schlüsselträger durchbohrt später ihre Wange mit einer großen Nadel. Das sind einige der auffälligen, verwirrenden und nervenaufreibenden Ereignisse, die sich in der Volksbühne bei „Ophelia's Got Talent“, einem neuen Werk von Florentina Holzinger, abspielen.

In den letzten Jahren hat die radikal feministische – oder postfeministische – Art des Tanztheaters dieser österreichischen Choreografin und Regisseurin großen Anklang bei der Kritik und Kultstatus gefunden. „Ophelia’s Got Talent“, eine nackte Frauenrevue über Frauen und Wasser, ist Holzingers zweite Inszenierung an der Volksbühne. Und anders als das erste „A Divine Comedy“, das ursprünglich bei der Ruhrtriennale zu sehen war, bevor es letzte Saison nach Berlin wechselte, ist „Ophelia's Got Talent“ auf die runde und technisch vielseitige Bühne der Volksbühne zugeschnitten.

Bei der Aufführung, die ich besuchte, war die Atmosphäre elektrisierend. Das vollbesetzte Publikum brüllte vor, während und nach der Aufführung seine Zustimmung. Nicht zuletzt ist es Holzinger gelungen, dem Ensemble, das seit dem Ausscheiden seines legendären künstlerischen Leiters Frank Castorf im Jahr 2017 nach 25 Jahren an der Spitze des Theaters Probleme hatte und eine Zeit des Niedergangs und der Funktionsstörung einläutete, wieder ein Gefühl rasender Begeisterung zurückzubringen.

Dem aktuellen künstlerischen Leiter des Theaters, René Pollesch, einem Autor und Regisseur und einem Veteranen der Castorf-Ära, ist mit der Gewinnung von Holzinger, der Mitglied des künstlerischen Beirats der Volksbühne ist und mehrere neue Werke für das Theater schaffen wird, sicherlich ein großer Coup gelungen in den kommenden Jahren. Den Beweisen zufolge hat das Berliner Publikum großen Appetit auf ihre freche, energiegeladene und überschwänglich beunruhigende Arbeit mit ihrem unerschütterlichen und unsentimentalen Blick auf die Körper und Wünsche von Frauen. Und wenn Holzinger auf der riesigen Bühne der Volksbühne losgelassen wird, kann sie im großen Stil arbeiten, der es ihr ermöglicht, theatralische Tableaus von unbestreitbarer Kraft zu schaffen. So unerklärlich es auch war, die Flughelikopter-Orgie war ein wilder Anblick.

Weniger überzeugend als solch atemberaubende und verstörende Versatzstücke (an einer Stelle hängt eine Darstellerin buchstäblich mit den Zähnen) ist jedoch das Gespür des Regisseurs für dramatische Klarheit, Struktur und Rhythmus. Mit knapp drei Stunden ist „Ophelia’s Got Talent“ einfach ein Chaos.

Die Produktion beginnt als Parodie auf eine schrille TV-Talentshow mit überemotionalen Juroren. Nachdem eine Houdinie-artige Flucht aus einem Wassertank schiefgeht, bricht die Talentshow ab und wird durch eine Revue im Varieté-Stil ersetzt, die oft zur Verzweiflung führt. Auf die Bühnenrückseite projizierte Titel deuten auf verschiedene Wasserthemen hin, aber wenig verbindet die endlose Prozession aus Stepptanz, Schwimmen, Selbstverletzungsszenen und Beichtmonologen.

Es ist nicht so, dass es zu wenige Ideen gibt, um die lange Laufzeit durchzuhalten; man hat oft das Gefühl, dass es zu viele sind. Wenn man sich diese Show ansieht, hat man den Eindruck, dass Holzinger und ihre furchtlosen Co-Stars in eine tiefe, dunkle Assoziationsgrube gefallen sind und noch nicht vollständig aufgetaucht sind.

Ist „Ophelia’s Got Talent“ eine Hommage an Shakespeares ertrunkene Heldin? Eine Abhandlung über die Darstellung unterwürfiger Wasserfrauen oder gefährlicher mythologischer Figuren in der westlichen Kunst und Literatur? Der Abend schien in diese Richtung zu gehen – bis die Darsteller zu tanzenden, streitenden Matrosen wurden, einer Mischung aus „Anchors Away“ und Fassbinders „Querelle“. Aber auch das ließ schnell nach und ein Gefühl von seltsamem Körperschrecken überkam mich. Irgendwann schien ein Darsteller unter qualvollen Bedingungen ein reptilienartiges oder möglicherweise mechanisches Wesen zur Welt zu bringen, als das Wasser im langen Becken auf der Bühne blutrot wurde. Holzingers Ästhetik ist sehr aufdringlich, aber eine gewisse Subtilität hätte auch viel gebracht. Wenn dies eine Show über die metamorphe Kraft des Wassers und über Frauen als Trägerinnen von Wasser und Leben wäre, hätte ich mir eine nachhaltigere Auseinandersetzung mit diesen Themen gewünscht. Stattdessen schwenkte die Produktion am späten Abend in eine militante ökologische Richtung, Hunderte von Plastikflaschen regneten in den Pool.

Dann, gegen Ende, geriet die Show unerwartet in Sentimentalität, unterstützt von einer Gruppe entzückender kleiner Kinder, die auf die Bühne huschten und sich als Repräsentanten der Zukunft verkündeten. Es war eine verblüffende Art, das kühne, verwirrende und anstrengende Spektakel zu Ende zu bringen. Genauer gesagt: Es fiel ihm schwer, zu überzeugen. Die umweltbezogene Wendung fühlte sich an, als würde man nach Relevanz streben, und sogar ein wenig heuchlerisch. Da für jede Aufführung Tausende Gallonen Wasser (es gibt einen Pool und zwei riesige Tanks auf der Bühne) benötigt werden, ist dies eindeutig keine ressourcenschonende Produktion. Wie eines der Bühnenkinder sagt, ist Wasser „das Blut der Erde“. Ich frage mich, ob es gerechtfertigt ist, Nacht für Nacht so viel davon zu verschütten.

Das Meer sei „der einzige Liebhaber, dessen Arme uns immer offen stehen“, schrieb der geschlechtsübergreifende französische Schriftsteller und Fotograf Claude Cahun, dessen einzigartiges Werk den Saisonauftakt in den Münchner Kammerspielen inspirierte. Auf der kleinsten Bühne des Schauspielhauses ist das Stück „La Mer Sombre“ eine kompakte Inszenierung der spannenden jungen deutschen Regisseurin Pinar Karabulut. „La Mer Sombre“, ein Kurzwerk, das Karabulut mit drei hervorragenden Schauspielern aus der festen Truppe der Kammerspiele entwickelt hat, gelingt eher als stilisierte Verschmelzung von fließender Inszenierung, atemberaubendem Design und vollendeter Darbietung als als Auseinandersetzung mit Cahuns Unkonventionalität Leben und Pionierarbeit, die sich einer Wiederbelebung des Interesses erfreut.

Zu Beginn der einstündigen Aufführung sind die Schauspieler locker in das Publikum eingebettet. Man kann sie jedoch kaum übersehen, denn die glatten schwarzen Perücken und die seltsam geschnittenen, eng anliegenden Kostüme, die sie tragen, lassen sie wie androgyne Alien-Jogger aussehen. Es ist schwierig, den Dialog, der größtenteils aus Cahuns Schriften stammt, aber oft dekontextualisiert ist, wirklich in den Griff zu bekommen. Stattdessen würdigt die Inszenierung ihren ikonoklastischen Geist auf poetische Weise, indem sie Barrieren niederreißt. Die Darsteller haben keine feste Identität, vielmehr scheinen sie gemeinsam eine zersplitterte Persönlichkeit zu bilden; Die Zuschauer gehen Hand in Hand mit den Schauspielern, die zwischen der Bühne und dem Zuschauerraum hin und her huschen, und ein Zuschauer wird sogar eingeladen, als Souffleur zu fungieren. Bühnenarbeiter wandern durch das Set und installieren und entfernen Requisiten.

Farbenfroh und voller Musik folgt die Inszenierung einer assoziativen Logik, während die Schauspieler der Kammerspiele – Thomas Hauser, Gro Swantje Kohlhof und Christian Löber – in einem surrealen Spaßhaus, geschmückt mit muschelförmigen Spiegeln, leuchtenden Herzen und einem Spiegel, gegeneinander antreten Boden und am Höhepunkt des Stücks eine mit Blasen gefüllte Badewanne.

Trotz der energischen und geistreichen Darbietungen und der fein ausgefeilten Ästhetik des Bühnenbildes von Aleksandra Pavlovic bleibt dies eine bescheidene Produktion, die sich in einem kleinen Netz von Themen und Motiven bewegt. „La Mer Sombre“ ist zwar aus eigener Kraft erfolgreich, wirft aber lediglich einen Blick in Cahuns Leben und Werk: Es geht nicht ganz in die Tiefe. Trotzdem schien die Stunde, die ich mit den drei Schauspielern der Kammerspiele verbrachte, irgendwie reicher und theatralisch befriedigender zu sein als die fast drei Stunden, die wir mit Holzinger und ihrer nackten zwölfköpfigen Truppe verbrachten.

Ophelia hat Talent.Directed by Florentina Holzinger. Through Nov. 27 at the Berlin Volksbühne.La Mer Sombre.Directed by Pinar Karabulut. Through Nov. 20 at the Münchner Kammerspiele.

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